欧洲艺术史研究生

老黄给你讲历史文艺复兴和巴洛克 第一章文艺复兴时间：15世纪-16世纪诞生：意大利逸闻：文艺复兴青睐于复杂的图像和象征符号，只有博学之人才能理解，取材于古代文学或经典神话的各类文本不胜枚举。费德里科·泽里曾说：“文艺复兴是城市经济复苏的产物，由于地区的差异，它在方式和时间上也有所区别，就像不同的碎片核心一样迸发……打破了最后的集权的禁锢。”文艺复兴是一个复杂的文化运动，它不仅影响了艺术领域，也促进了15、16世纪人文和科学的全面革新。“复兴”这个词原意表示“新生和崛起”尤指古希腊和古罗马的文化及审美的复兴，在经历了中世纪的漫长干预之后，人们对人文和理性的力量有了全新的信心和认识。大卫1501---1504年学院美术馆，佛罗伦萨米开朗基罗文艺复兴时期的艺术家更像是知识分子，而不是单纯的工匠，当时的艺术品也都结合了现实元素和古代样本：为了表现最完美、真实和具有立体感的人体，艺术家们从科学和分析学的角度，对解剖学和人的面部细节进行了详细的研究，并把这些研究结果展现在令人信服的空间场景中。圣彼得小教堂1502---1510年罗马布拉曼特古代艺术代表着平衡与完美，根据毕达哥拉斯和新柏拉图理论中关于几何学与对称美的原则，每一件艺术品都经过精心测量和研究，最终用于展现文艺复兴时期的完美理想世界。布拉曼特凭借严密的逻辑汇集了古典建筑语言的各种元素，将这座小小的建筑做出了世界性，成为整个16世纪建筑学的典范。布拉曼特透露了她明确和理性的愿望，就是在这座建筑里对罗马基督教、文艺复兴和古代异教进行历史性的融合。哀悼基督1498---1500年圣彼得大教堂，梵蒂冈米开朗基罗米开朗基罗以一种极为简约而严格的结构手法表现这一主题，按照北欧的肖像风格。将人物主题限定为母子二人。年轻的圣母怀抱死去的耶稣，露出令人心碎的柔情，情感的表达深切而自然。雕塑明确的造型结构激发了佛罗伦萨地区跨越整个15世纪的对于艺术风格的成熟研究。雅典学院1509---1510年梵蒂冈博物馆，梵蒂冈拉斐尔每一件艺术品的样式中都蕴含着几个最重要的特点，那就是美、节奏、庄重感、和谐、音乐性和平衡性。这种全新的表达理念在16世纪最初的几十年内达到顶峰，其最盛大的代表作就是拉斐尔在梵蒂冈签字大厅里做的壁画，他通过壁画中的人物突出展现了古代经典的艺术思想。拉斐尔将文艺复兴的理想很好的总结并转化为图像的表达，满足了罗马教会一直抱有的愿望，即罗马政治和文化地位能够自然延续，如同古代一样作为“世界的中心”在建筑学中，由维特鲁威提出的六要素也风靡起来，并在民用和宗教建筑中得到了严格的执行。宗教建筑的设计师们直接从古代建筑中获得灵感，他们非常青睐中心对称型设计，比如圆形的空间和高高的穹顶，罗马的万神殿就是一个无与伦比的典型。创造亚当1508---1512年西斯廷教堂穹顶，梵蒂冈米开朗基罗画面显得相当简洁，整体采用的对角线构图，上帝和亚当分别位于整幅画的两个对角上，亚当在左下角的绿色陆地上，懒洋洋的将手伸向上帝，而上帝在空中，把手伸向亚当。我们注意到，如果割裂来看的话，这是两个不同的画面，一动一静、一左一右、一高一低。画面中亚当的形象展示了一种神赋予人生命的场景。上帝根据自己的样貌创造出人，两只相碰的瞬间，巨大的壁画仿佛都有了心跳。文艺复兴时期的艺术理念主要倾向于以一种严格的比例关系及和谐的方式来表达与模仿现实。重点便是人与自然的关系，以及人类感受自然世界的能力。而一直存在着的宗教和灵魂领域也在朝着人本主义的方向转变。各类科学学科的进步，比如数学、天文学和光学，都带来了对于自然的全新认识，以及恢复古典艺术的新方法。还要感谢考古学的新发现为现代人指明了前进的道路，而在中世纪的文化中，它一直被置于次要的位置。

今天小编就来给大家说一说艺术生出国留学那些事儿，帮大家搜集了一些资料，希望对即将出国留学的考生们有所帮助。基本流程：1.确定留学专业、国家及学校，并收集关于申请院校的入学要求，学费和专业设置等相关信息。2.制定留学方案。在掌握留学基本信息和国外学校入学要求的前提下，结合自身的年龄、学历、经济能力、外语水平、所学专业、个人爱好等因素，设计出适合自己的一套科学合理的留学方案。3.收到申请学校的免费入学申请报名表后，必须认真完成。然后将个人的学历证书、最近的学术成绩单、推荐信、个人简历和语言成绩等材料寄回学校。4.中国公民申请公证，必须自费出国申请公证。这种公证属于涉外公证人的范围。需要证明公证的文件有：出生证明、学历、学位、公证、经验证明、亲属公证、经济安全公证等。5.申请签证办理好护照后，你可以立即申请入境签证的大使馆(领事馆)的国家研究在中国。申请时，必须填写相关表格，提交必要的证明材料，并支付签证费。基本要求：一、语言成绩一般的艺术院校录取学生要求学生在校期间的学习成绩优良，申请本科要考TOEFL和SAT，申请硕士要考TOEFL和GRE/GMAT。艺术类院校一般要求TOEFL至少在90分以上。语言对一个国际生来说至关重要。二、GPA对于美国的艺术类院校，不同的学校和不同的专业GPA要求都不一样，而且也没有什么特别的规律。像艺术管理、艺术史、艺术教育这样的专业还是需要GRE的。其他表演制作类的专业对托福的要求高的100左右，低的71左右，并不会因为学校的排名高要求就高，也不会因为是艺术类大学就低。GPA要求一般是3.0底线，3.5优秀。三、申请材料 美国艺术留学申请材料包括简历、个人陈述、在读证明与成绩单、推荐信等等。推荐信：2—3封。推荐人的专业影响力与对被推荐人的熟悉程度是选择推荐人的两个条件，需要在这之间找个均衡。 个人陈述：个人陈述主要是谈你的创作思维和创作能力。论文最好偏理论研究，评论性，分析要客观，不需要主观，不要太前卫的观点，还要看对方教授的研究方向与你是否符合。四、作品集 申请美国艺术院校需要向学校提供作品，作品集就是学术能力真实的反映。绝大多数学校要求作品及需要包含15-20份作品，需要注意的是必须提交电子版，(国外每个学校每个专业对作品集的要求不一样，具体需要根据自己的目标大学和专业有针对性的准备。学艺术去哪个国家出国留学好美国美国的艺术教育成就主要在现代艺术领域，艺术院校也拥有世界上最多的专业。美式教育一直被公认为注重应用和创新能力的培养，这与亚洲的教育方法理念不同。学校很注重为学生提供各类实习或工作机会，使学生始终保持与社会的紧密联系。 在美国这样多元文化交融的国家，艺术院校注重学生是否有天赋、有想法，对选择的专业是否感兴趣。和中国艺考流程不同的是，每年，美国艺术类高校招生，并不参照当年专门设立的艺术测试考试成绩，也不参考本国统一的文化课成绩，主要考量英语水平和艺术素养。 推荐院校：罗德岛设计学院、帕森斯设计学院、艺术中心设计学院、纽约视觉艺术学院、芝加哥艺术学院英国 英国艺术专业既传统又前卫，其以古典与现代完美结合的艺术氛围享誉世界。英国的传统音乐、剧院、电影及文学受到各国艺术生的追捧。此外，英国作为全球最早提出“创意产业”的国家，同时作为国际创意艺术中心，汇集了来自世界各地的大量创意人才在此接受教育及发展事业，以高质量和富有创新的教学培养了众多全球知名的艺术家和设计师。英国的风格是比较注重创意及其表现，对学生的设计思维和设计功底有比较高的要求。尤其是伦敦艺术大学、皇家艺术学院之类的学院，入学门槛非常严格。推荐院校：中央圣马丁艺术与设计学院、皇家艺术学院、格拉斯哥艺术学院、伦敦艺术大学法国 法国是世界各地艺术家心目中的艺术天堂，在建筑、绘画、雕塑、设计、音乐等领域都世界闻名。同时具有“时装之国”之称的法国，在服装设计的世界领先地位也早已有目共睹。 法国的艺术专业的教育方式是非常自由甚至松散的，优良的教育设施向学院里的每个专业的学生开放。而另一方面，法国艺术专业的教育又是十分严格的，学生每升一个年级都要拿出自己的作品进行考核，只有通过了考核才能进入下一个年级。而且，法国的艺术学院能够利用来自世界上各个地方的艺术人才，灵活地聘用非本校的老师授课，更加丰富了学校的教师资源。推荐院校：波尔多国立美术学院、法国高级时装学院、意大利 意大利以其丰富多彩的艺术与音乐财富著称世界，众多珍贵的艺术城市和悠久的文化传统让这个国家成为创造的沃土。考虑到意大利在美术和音乐学院领域已经具备了良好的传统和丰富的教学经验，意大利把所有从事艺术、音乐和设计教学的高等教育机构整合到一个大学级别的体系中。 意大利政府对高等教育公立院校补贴免学费，对本国学生和国际学生都统一采取全免学费的政策。意大利艺术类的专业教育质量相当高，高等院校在艺术、建筑、时尚等各艺术领域都具有一定的权威性，培养的人才在艺术领域具有强劲的竞争力。院校推荐：罗马美术学院、佛罗伦萨美术学院、威尼斯音乐学院等看了本文，小伙伴们有没有对出国留学怎么申请研究生有一个大概的了解呢？

考陶德艺术学院（Courtauld Institute of Art）是英国伦敦大学(University of London)的一部分，是致力于艺术史、保护和策展的专业院校，拥有全英最重要的艺术收藏之一，集视觉艺术世界所有元素于一身。从最小型最个人的绘画或物品到整座城市的设计和演变，从中世纪教堂、清真寺和寺庙到当代时尚、摄影和表演艺术，考陶德艺术学院研究和传授所有形式和所有媒介的艺术。 考陶德拥有全英人数最多的艺术历史学家的教学团队，他们的工作范围日益扩大到全球各地，从美洲到欧洲，从北美中东到伊朗中国。在考陶德，您将师从于在自己学术领域属于领先研究者的学术“大咖”。小班授课打造了让人才思泉涌的氛围，让您能够自由探索自己最感兴趣的学科，同时培养专业知识。在伦敦学习让您置身于全球艺术世界的中心，让您可以接触到令人眼花缭乱的艺术馆和博物馆。考陶德意识到亲眼所见艺术作品的重要性，因此教学场所包含遍布伦敦全城—甚至更远—的艺术馆和博物馆。在大英博物馆上课本科文凭课程这是考陶德艺术学院艺术史本科学位课程的浓缩版，为期九个月，为其他学科的毕业生提供机会将现有技能转化为艺术史学习。通过授课式课程，您将对艺术历史的各个主题和方法获得大体的认识，并针对两个主题和/或历史时期进行更为深入的探索。最后，您还将获得近距离的辅导，撰写5000字的文章，让您对某个特定的议题进行探索，培养自己个人的研究技能。教学采取混合式，结合了大型讲座、10-15人规模的小型研讨会。课程教学辅以个人辅导、学习环节和工作坊，主题包含阅读艺术历史文章和论文写作。我们欢迎您参加考陶德的其他讲座，例如BA2框架课程，对艺术史研究法进行入门介绍。这一文凭尤为适合在一段时间后重返高等教育的人士，或希望在转向更为专业性研究之前大致了解艺术史领域各种可能性的人士。这个文凭课程为进一步的研究生学习奠定了严谨和坚实的基础。这个课程的很多毕业生会继续在考陶德或其他高校学习硕士课程，其他学生则是纯粹出于自己的兴趣和个人发展而学习这一文凭。有关艺术史本科文凭课程的更多详情，请浏览www.courtauld.ac.uk/graate-diploma-in-the-history-of-art艺术史硕士课程这一课程由世界级学者在独具特色、单一学科环境中为您提供最佳品质的研究型教学。课程以提供杰出培训闻名，培训领域涉及在艺术行业和其他多种职业进一步研究或就业所需的专业性的分析和沟通技能。 “特别选择”(Special Options)这门课以8-10人为小组授课，一直以来都是考陶德艺术史硕士课程的标志性课程。 课程内容以其严谨度著称，广度和范畴不断扩大，可选方向有中国、东欧、中东、拉美和俄罗斯等。课程设置了20多个特别选择，内容跨越媒体、不同历史时期和地域。“特别选择”内容包括：北京及其之外：早期现代中国的艺术与帝国：这个课程探索了早期现代中国明朝中后期和清朝（1600-1800年之后）的现代化大都市—特别是清朝的北京—的艺术创作和流通。通过图片、物品和空间的研究，这一课程探讨了朝廷如何孕育、创作和利用艺术作品作为意识形态和文化表现的载体；在帝国边界内外发生的促成推动了这些过程的跨文化际遇，包括与泛亚洲伊斯兰和欧洲世界；以及各种艺术物品在朝廷多元化人群中的流通和消费方式。大西洋周边视觉文化（1770-1830）：这个课程探索了海洋空间—即大西洋—以及在漫长的18世纪期间在此空间所创作的图像。课程探讨了大西洋周边世界的艺术史，特点是非洲、欧洲和美洲三大洲人士的流动、冲突和纠葛，以及跨大西洋奴隶贸易时代的各种文化。帝国的建筑：经受考验的空间及其历史遗产：课程侧重于1600年到20世纪英国在全球各地扩张期间对殖民空间的构建，同时还关注相互竞争的欧洲项目和本土的抵抗。课程开启了对不同地域和历史时期兼收并蓄的文化事业的学术研究。记录时尚：19世纪20-60年代美国和欧洲的现代性、电影和图像：这一课程包含两个方面—先是学习裙装历史和时尚研究领域的主要理论、方法和方式作为基础，继而是独一无二的机会分析两次大战之间、战争期间和早期冷战时期美国和欧洲时装和身份。北京及其之外：万国来朝图 —— 乾隆时期, 清代画家, 故宫博物院, 北京，中国记录时尚：Toni Frissell (1907-1988)

英国艺术院校录取机制 对于英国本科的申请，除了高中成绩、雅思成绩以及个人陈述、推荐信等申请 材料外，A-Level（英国普通中等教育证书考试高级水平课程）成绩也是一个 重要的考量。A-Level是英国大学入学考试课程，俗称“英国高考”，其课程证 书被几乎所有英语授课的大学作为招收新生的入学标准。在取得A-Level成 绩之前同样可以申请学校，大学会通过学生的过往成绩，以及高中老师出具 的A-Level预测成绩来对学生的能力做出整体判断，并决定是否发放无条件录取(unconditional offer)。与有条件录取（conditional offer）不同，对于拿到 无条件录取的申请者来说，即使有未完成的考试，其考试成绩也不影响预留 的入学名额。 英国院校的研究生课程设置分为授课式硕士和研究式硕士。授课式硕士一 般学制为一年，以授课、讲座、论文为主，为学生将来的就业提供学术基础。研究式硕士一般学制为两年，以研究项目、论文为主，比授课式更要求学生 的学术能力，因此适合继续攻读博士的学生。通常申请者须具有本科学位， 提供大学成绩单以及各种文书材料，如母语非英语且不是在英语国家获得学 士学位的申请人需提供雅思成绩，各学校与专业对于雅思分数的要求不尽相 同。申请研究式硕士还要求申请人做过相关研究，能够提供相应学术报告或 论文。面试是申请英国院校的另一重要环节。面试不仅考核申请者的语言表 达能力，更在于衡量申请者表现出的思考能力、应变方法，以及申请者是否 适合其申请的专业和学校。 九成以上的英国博士课程都不设培训和考试。英国高校认为在录取阶段就 应甄别学生的研究能力，一旦录取就应直接进入研究阶段。对于英国的博士申请，一般情况下，在英语国家有读书经验的不需要提供雅思成绩，重要的 是申请者在申请前即确定研究领域、大致的研究计划和研究课题，同时选择 与自己专业对口或相近的导师，主动和导师取得并保持联系。与本科和研究 生申请最大的不同是，博士申请的决定权几乎在于导师，因此，向导师证明 自己的学术能力、研究背景以及研究计划是申请英国读博成功的关键。相较美国，英国艺术学院通常更加注重学生作品的概念性，也就是更“纯艺 术”。无论本科还是研究生，学校都希望能看到学生把整个申请过程看成一 件作品本身，而不是简单地递交一份类似于报告书的作品集。英国最热门的艺术学院都集中在伦敦，那里聚集了欧洲甚至全球顶尖的艺术资源。这里的 优质展览的数量和对当代艺术的包容性甚至超过通常被人认为更商业化的纽 约。最有名的艺术学院包括皇家艺术学院、中央圣马丁、伦敦时装学院、斯莱 德艺术学院等。每个学院偏重不同，如：皇艺注重学术性，圣马丁注重事件性， 伦时倾向图像与商业性，而斯莱德则更看重学生的社会实践。英国的学校都 希望看到作品集背后一个年轻人的情感流露、批判思维和学生的冒险精神。 美国艺术院校录取机制 20世纪中叶以来，美国艺术教育一直是国际艺术领域里前卫和当代的风向 标，这种趋势在最近十年略微让步于英国。大多数美国艺术教育项目的周期 是本科四年，硕士两年。博士项目基本都是艺术史专业，只有综合类大学才 有。美国艺术类学院的核心目的是培养学生在艺术设计领域的专业技能。 美国的主要艺术学院基本集中在纽约及周边以及加州北部。纽约周边的学 院主要有以家居和工业设计见长的罗德岛艺术学院（RISD）、以时尚服装设 计见长的帕森斯艺术学院（Parsons）、以自身建筑学院为优势的普瑞特艺 术学院（Pratt）、以动画和插画见长的纽约视觉艺术学院（SVA）、以及位于 巴尔的摩且以纯艺见长的马里兰艺术学院（MICA）；加州的艺术学院主要 是艺术中心设计学院（ACCD）、加州艺术学院（Carlart）、旧金山艺术大学 （AAU）以及刚在疫情中倒闭了的旧金山艺术学院（SFAI）。另外还有美国的 第一所专业的艺术学院芝加哥艺术学院（SAIC）。美国今天的艺术学院招生 机制基本上是芝加哥艺术学院创立的。 美国艺术学院的录取分为四个维度：标化成绩（语言成绩+成绩单）、申请文 书、面试和作品集。本科申请中最重要的指标依次是：作品集、申请文书、 语言成绩，只有少部分本科项目需要面试。研究生申请中最重要的指标依次 是：面试、语言成绩、作品集、文书。本科和研究生在录取上的差异主要与 美国艺术院校中的体制构成有关。几乎所有美国私立美院，本科项目都由学 校直属管理，研究生项目则是学校间接管理，学生考核标准均由院系自主决 定。研究生院系都可以被看作是母公司下的子公司，校方对子公司的管理则 基于每季度一次的理事会。总之，美国艺术学校本科申请更看重考试成绩和 作品集质量，研究生申请时，不可被数字化的材料是更重要的录取指标，标 化成绩是其次。意大利艺术学院录取机制 以意大利公立艺术院校的代表米兰布雷拉美术学院（Accademia di Belle Arti di Brera）为例，该学校本科开设视觉艺术、设计与应用艺术、艺术传播 与教育三大方向的课程，视觉艺术系下的绘画专业是意大利美院中规模最大 的专业。入学考试由笔试形式的艺术文化知识测试、任意绘画主题材料与表 现形式的自由创作以及面试三部分组成。研究生课程方向与本科相同，录取采取顺延制，即持有学院同专业的本科生可直接被研究生课程录取、精进专业技能，而本科就读于外校或与所申请专业有出入则需统一进行面试。 意大利的公立美院惯以意大利语授课，以布雷拉美院视觉艺术与策展实践专 业研究生课程为例，不同于纯艺类更看重作品的专业，该专业需要学生具备 较高的语言水平以应对大量的史论阅读与艺术评论写作。以策展为代表的史 论类专业，面试中与教授交流的过程是衡量考生能否被录取的唯一决定性标 准。交流中，教授会先对考生的语言水平进行初步评估，再结合对其专业水平的评估决定是否予以录取。后者很大程度上取决于考官的主观判断。策展 专业的研究生要求本科有一定的艺术史专业基础或艺术行业从业经验。即 使考生没有被某个专业录取，也可以选择接受调剂专业或者参加预科课程， 精进语言或相关专业知识，参加次年考试。德国艺术学院录取机制德国艺术学院的经典专业包括绘画、摄影、雕塑以及相对较为年轻的媒体艺 术等。在申请阶段，德国的艺术院校大部分都需要申请者的语言成绩证明以及艺术能力测试证明，在此之前就是作品集寄送以及审阅环节。以莱比锡视 觉艺术学院（HGB）举例，申请以及录取大致分为三个步骤：作品集预选、入学考试以及最终入学。 在莱比锡视觉艺术学院的官网上可看到，申请者需要提供艺术能力证明 、 高中毕业设计证明 、外国学生需要提供的语言考试证明，较为特殊的一条 是：如果学生能够证明自己具备特殊的艺术天赋，也可以申请入学。由此可以看出，德国的艺术学院很重视学生的艺术天赋，为此设 定了这个例外 条件。德国艺术学院的考试大多分布在1月至4月，其中最早的有不伦瑞克艺术学院 的“早鸟”考试（Frühstart），白湖艺术学院以及柏林艺术大学的考试时间则比较晚。每个学校在设置考试以及面试的环节都有所不同。“早鸟”考试比 正式申请面试的时间要提前开始，为期两天的考试中有一整天为命题的现场 创作，另一天则是学生自主选择去工作室参观。考生在紧张的备考之余对学 校也会有一个相对完整而深入的了解，考试过程允许考生对主题进行个人解读以及自由发挥。考试中间穿插着各专业教授的巡场和对话，谈话的内容多 是围绕着考生的作品展开。

美术史论系创办于2000年，2004年获准为博士授予点。美术学专业2011年获得“国家级美术学特色专业”称号。2014年，以赵农教授为带头人的“美术学专业教学团队”获得省级教学团队称号；2015年，以彭德教授为带头人的“美术学理论教学团队”获得省级教学团队称号。2013年艺术考古学专业方向被定为中央财政支持地方高校建设特色办学方向。西安美术学院正大门美术史论系在重视传统美术史论知识的基础上，充分利用西安及西北地区传统人文资源优势，以“借古开今”的办学理念为指导，以“行走的美术史”为教学理念，培养具有理论化、个性化、多层次专业能力，适应艺术研究、管理等从业需求和自我发展能力的高素质艺术人才。西安美术学院校园拴马桩美术史论系设有130401美术学、130101艺术史论、130501艺术设计学、130102T艺术管理四个本科专业西安美术学院狮子雕塑西安美术学院130100艺术学理论研究生教育简介西安美术学院“130100艺术学理论”在全国第四轮学科评估获得B，17中国美术史研究、18 丝绸之路美术史研究、19设计艺术史论、20 民间美术研究、21 西方美术史研究、22中国现当代艺术史与理论研究、23 艺术考古研究、24艺术管理与教育研究是其8个重要的研究方向。23 艺术考古研究是其中的重中之重。一、招生专业名称及代码：艺术学理论130100，招生学科方向：艺术史研究 17中国美术史研究 范淑英教授、苟爱萍副教授18 丝绸之路美术史研究 李青教授19设计艺术史论 赵农教授20 民间美术研究 郭庆丰副教授 、杨晓兰副教授、张西昌副教授21 西方美术史研究 马晓琳教授22中国现当代艺术史与理论研究 吕澎副教授（外聘）23 艺术考古研究 周俊玲教授、张祥宇教授（外聘）、沙武田教授（外聘）副教授：白文、曾智泉、卢昉24艺术管理与教育研究 李四军教授、西沐教授（外聘）、李路葵教授杨超副教授（外聘）西安美术学院太极湖初试科目为：101思想政治理论、201英语一、611中西方美学史、502艺术理论复试科目是：外语测试、综合面试、专业研究能力同等学力：大学语文，速写二、参考书目“611中西方美术史 ”考试内容主要为中国美术史、西方美术史，参考书目：《中国美术史教程（增订本）》，薄松年等主编，陕西人民美术出版社；《外国美术简史》中央美术学院美术史系外国美术史教研室编著，高等教育出版社；《詹森艺术史》（美）H.W.詹森著，世界图书出版公司611中西方美术史 “502艺术理论”参考书目：1.《艺术概论》 彭吉象 上海：上海音乐出版社, 2007.082.《艺术学概论》 彭吉象 北京：北京大学出版社，2006.083.《艺术概论》 王宏建 北京：文化艺术出版社, 2000.01502艺术理论文章来源：陕西学硕教育，微信公众平台

原标题：一场展览 一部西方艺术史↑《漫步》 马奈↑《君士坦丁的婚礼》 彼得·保罗·鲁本斯↑《幸福的繁衍》 让-奥诺雷·弗拉戈纳尔↑《坎贝尔罐头汤》安迪·沃霍尔近日，“西方绘画500年——东京富士美术馆馆藏作品展”在清华大学艺术博物馆举办。展览开幕后，观者踊跃，展厅几乎每天都是人头攒动，为了让更多人能一睹这些重要的展品，清华大学艺术博物馆还增开了夜场。展览选取了16世纪至20世纪西方艺术史中经典艺术流派的60幅绘画作品，分成五个单元，按照时间脉络展示了从文艺复兴、巴洛克与洛可可、写实主义与古典主义，到新古典主义与浪漫主义，现实主义、印象主义与后印象主义，一直到现代主义与后现代主义的西方艺术发展历程。通过这些画作，人们能够直观地了解西方绘画艺术五百年的流派兴替，堪称一部浓缩的西方美术史。展览“火爆”加开夜场清华大学艺术博物馆常务副馆长杜鹏飞这几天变身为“数据控”：“‘西方绘画500年’展览开幕后，日均接待观众1700人，周末达到4800人，开幕后不到两周时间，观展人数就达到3万人……”对于一个西方艺术展来说，如此的数据，只能用“火爆”二字来形容。如果说从数据上无法直观感受它的受欢迎程度，那么，记者的亲身体验则验证了展览的“火爆”。展览于10月23日开幕后，立即引起广泛关注。记者身边的几位西方艺术爱好者，在11月2日（周五）下午，通过网络预约周六去观展，结果却大大出乎意料：周六预约人数已满，他们只好预约周日。记者本人也早早预约了11月6日（周二）的门票。本以为是工作日，参展观众不多，可以细细观赏，但来到展厅一看，每一幅画前，依然簇拥着很多人，甚至还有成群的小朋友在老师的带领下领略西方艺术。记者在展厅逗留的两个小时时间里，就有四五组不同校服的小学生来到展厅。杜鹏飞适时地给出了另一组有趣的数据：“展览开幕后，每天从开馆到闭馆的八九个小时内，展厅里同时在场的人数，自始至终不少于300人。与暑假期间，观众逗留仅仅1小时不同，这次展出，每人平均逗留时长超过2小时。这也导致即便是工作日，展厅依然人头攒动。”“数据达人”杜鹏飞补充道，如果是周六日现场购票，排队需要等候20分钟左右。“10月31日，清华大学艺术博物馆迎来了自博物馆成立以来的第一百万观众，三四天下来，观展数量早早就突破一百零一万了。”观众的热情，也让杜鹏飞颇为感慨，“在寒冷的深秋，‘西方绘画500年’的展览还能如此火爆，这令我非常感动。”在迎来博物馆第一百万观众的那个周日，天气不是特别好，还下着雨，但居然还来了4800人，杜鹏飞开玩笑说，“那天来的都是真爱。”值得一提的是，为了让更多人能更好地观赏这个展览，清华大学艺术博物馆也放出“大招”：开放夜场展览。杜鹏飞说，“这样能让更多忙碌的职场人士，在白天把工作和家庭的事情处理完后，来展厅安安静静地品赏西方艺术。”夜场开放后，也大大出乎杜鹏飞的意料，“场面仍然比较壮观，每天夜场的观众七百余人。”而能在夜晚来观展的观众，也不会轻易放弃这个机会，他们都沉浸于艺术的氛围中，“从晚上六点一直到晚上九点闭馆，展厅里从始至终都是两三百人同时观展。”六十幅作品 浓缩西方五百年艺术在参展的数万观众中，有不少艺术类专业人士的身影，这也从一个侧面解释了展出受到关注的原因。一位从纽约艺术学院留学回来的油画研究生，带着朋友一起来到展厅。展览给她的第一印象就非常好：“高水准的展品，再加上展品的陈列方式、展示空间的设计，甚至灯光的布置都是业内专业级别的标准，看得出策展人的诚意用心以及对艺术的极大尊重。”更令她惊喜的是展品内容，展出的六十幅作品，囊括了西方艺术史上从16世纪到20世纪的主要艺术流派的有重要影响力和代表性的画家，呈现出了这500年里西方绘画艺术的演变历程。“很多艺术史上鼎鼎有名的画家的作品，可能是第一次在中国展出，比如文艺复兴时期的乔凡尼·贝利尼、巴洛克艺术大师彼得·保罗·鲁本斯、现实主义画派的弗朗斯·哈尔斯、新古典主义的安格尔、浪漫主义的德拉克洛瓦等。”正是因为很多艺术史上具有重要意义的作品第一次在中国展出，有不少艺术类院校师生直接将“课堂”挪到了展厅。记者在展厅时，在十八世纪法国著名画家夏尔丹的作品《绘画课》前，一位气质儒雅的老师，轻声向围在他身边的年轻学生说，“我以前在课堂上讲过夏尔丹对于光线的描写，你们看看他的画，画面中营造的氛围多么静谧，光与影描绘得太棒了！”能够吸引到这么多专业人士的到来，杜鹏飞也颇为欣慰，这也是他希望看到的。展览根据时间的脉络，分成五个单元展现西方艺术史上最为重要的几大艺术流派：跨越崇尚人文的文艺复兴，经过华丽的巴洛克和洛可可，到写实主义与古典主义，再穿越新古典主义、浪漫主义、现实主义和印象主义，一直抵达现代主义和后现代主义。“每一个流派对应的作品，我们都是挑选的这个流派的开山之作或者集大成者。对于中国观众而言，能够如此近距离、系统地了解西方艺术史，这应该是第一次。这个展览就是一部高度浓缩的西方艺术史。”另外，杜鹏飞介绍，为了更系统地向观众介绍西方艺术，策展团队在展出的每幅作品旁边，还附上了精心制作的作品说明，介绍艺术家、艺术特色以及作品在艺术史上的价值等。观众在欣赏画作之余，通过这些文字，能更加深入地了解这些作品，“这也是为何人均逗留时长超过2小时的原因。”在观展之余，人们也会意识到这个展览有一个“关键词”：东京富士美术馆馆藏作品。杜鹏飞介绍，清华大学艺术博物馆与富士美术馆的合作，有一个非常独特的渊源：东京富士美术馆创始人是池田大作先生，早在1968年，正是池田大作率先公开呼吁尽早实现中日邦交正常化。2018年也是《中日和平友好条约》签订40周年，“这是一件值得纪念的大事。”2017年，富士美术馆主动与清华大学艺术博物馆接洽，希望两国加强在文化艺术上的交流。富士美术馆丰富的藏品也令清华大学艺术博物馆颇为惊喜，“因为独特的历史原因，在日本，大大小小的博物馆收藏印象派作品比较常见，难能可贵的是，富士美术馆不仅有文艺复兴时期的艺术作品，而且还收藏有野兽派、立体派等西方现代艺术作品，贯穿了16世纪到20世纪后期几百年的历史。”在两家美术馆的积极努力下，最终促成了这次展览。在品味这一艺术盛宴的同时，国内诸多专家学者对邻国日本有如此完备的西方艺术收藏也有颇多感慨。北京服装学院美术系讲师李飒告诉记者，日本近代化的过程比中国早，在20世纪，日本的美术馆很早就建立了系统收藏、展示西方艺术史的意愿和成就。日本的这些美术馆，在日常生活中对西方艺术史的展示，对民众的文化启蒙以及日本现代文化的转型，起到了重要的作用。中国的美术馆和博物馆，却缺乏类似的收藏。从这个意义上来看，清华大学艺术博物馆此次“西方绘画500年”的展览，对于中国的美术馆和博物馆来说是个新的借鉴。（姜宝君）

中国艺术史因为有他，在西方取得空前发展，研究艺术史的都知道他！美国东部时间10月3日凌晨，艺术史学者和文化史学家、艺术文物鉴赏专家、教育家方闻辞世，享年88岁。方闻先后担任普林斯顿大学教授、讲座教授、艺术考古系主任、普林斯顿艺术博物馆主席、纽约大都会博物馆中国绘画部的特别顾问等职务。方闻前辈的存在可以说是我国艺术史上浓墨重彩的一笔，方闻的挚友余英时也写文缅怀方闻，无论我们关怀的是现在还是以前的即使，方闻是一定不能错过的。今天，我们就来了解方闻老先生。方闻致力以“风格分析”的方法来解决中国古代书画的断代问题，主要出版有《夏山图：永恒的山水》、《心印》、《超越再现：8-14世纪的中国绘画与书法》、《中国书法：理论与历史》和《两种文化之间》等。方闻出身书香门第，资质聪颖，小时候就已经跟着老师学习经典和书法，被人称为“神童”。不过方闻后来没有走经学家或书法家之路，但一笔一划之间流露出来的功夫和才华，一望便可知。方闻后来考取了上海的交通大学，交大是中国最高水准的理工科学府，在这里方闻开始了他的理工学程。理工和艺术完全不搭边的两门学科，方闻是怎么开始自己的艺术研究生涯呢？一切一切的变化，都在1948年他移居美国，进入普林斯顿大学之后发生了变化。进入大学后，方闻发现自己的抱负不在理工，毅然转向人文，而且很快便选择了以艺术史为主修。这就是改变一生，乃至改变我国艺术史的决定。其实大学本科生改选主修课目挺正常的，学艺术想学文科也就去辅修了。但方闻和人不同的是他从此以艺术为终身的志业，一天也不肯离开它。大有“君子无终食之间违仁，造次必于是，颠沛必于是”的气象。方闻转专业后不久，就得到了名师的传授，人生难得一遇此幸运。他在普大读艺术史的导师是罗利教授，罗利以研究西方中古艺术史驰名当世。方闻深受罗利的启发，本科读完了，研究生阶段也决心追随他研究欧洲中古画史，并已选定中古基督教的“天使”画像为博士论文的题目。罗利虽不懂中国语文，却对中国画产生了很大的兴趣。方闻在1947年出版了《中国画原理》专书，方闻跟着罗利教授学习那时候，这本书书发表不久。由于方闻具有中国人文教育的背景，罗利教授也对中国画有兴趣了。直接建议他往中国画史方面发展吧，别研究“天使”了，直接研究画像佛教“罗汉吧。恰好罗利教授知道日本京都的一座寺庙中藏有一套南宋“五百罗汉”的绢画，其中包涵了宋代人物画的种种“风格”，希望方闻愿意去京都对原画进行直接研究。方闻接受了导师的建议，以“五百罗汉”为题的博士论文终于在1958年完成，他献身于中国艺术史的志业，也从此完全确定了。罗利对方闻的影响是巨大的，特别在关于中国画“风格”的比较和分析，以及中国画史如何依“风格”而分期等等问题。怎么说呢，罗利教授的学生很多，学出来的也很多，但方闻却是其中最年轻而又最多创获的一位。60多年来，中国艺术史研究在西方取得了空前的发展。方闻则在这一发展中一直扮演着开创性的功能：写出了无数的专书和论文，不但观点新颖、资料丰富，而且方法精密，因而在这一领域中发挥了长期的影响。余英时在介绍某篇方闻的撰文中最后写道:对于艺术史我是外行，不敢多说。但是从中国史的背景出发，我读方闻的论著都时时有会心不远之感。我觉得他确实进入了中国书画史的内核。例如他讨论晚唐张彦远“书画异名而同体”之说索引及于张璪“外师造化，中得心源”的名言，我读后启悟良多。以前我仅仅“知其然”，但读后才“知其所以然”。这不仅因为他的理论和方法具有开创之功，而且也由于他熟知欧洲艺术史，在相互比较之中凸显出中国书画史的文化特色。”无论我们关怀的是中国文化的过去或未来，方闻的文集都是不能放过的！本文由娱乐怀旧派原创，欢迎关注，带你一起长知识！

梵高《玫瑰》（1889），油画在欧洲艺术史上，花艺作为艺术形式的一种，也一直是艺术作品，尤其是油画作品中被细致描摹的对象。花艺在油画中可以作为被刻画的主体，即静物画，也可以当做配饰，表现画中人的富有或者涵养，部分种类的鲜花或果实还具有宗教涵义。在古埃及时期，丰富的鲜切花成为插花的主要材料，而在古希腊和古罗马时期，橄榄枝则常被用作主要素材。古希腊和古罗马的艺术也为西方艺术奠定了重要基础，比如古罗马的壁画《采花的少女》（公元79年），画中的少女正在园子中采花，表现出了春风吹拂下的自然景象。梵蒂冈博物馆收藏的罗马马赛克画《花篮》（公元2世纪）中可以看出欧洲草本花卉种类已经较为丰富，包括玫瑰、康乃馨、郁金香和风信子等，而花篮满插的形式也奠定了西方古典插花的基本形式。《采花的少女》（79），庞贝古城《花篮》（2世纪），马赛克画，梵蒂冈中世纪时，西方插花主要为神前供花，具有浓郁的宗教色彩。马提尼的《圣母领报》（公元1333年）讲述了大天使加百利向圣母玛利亚传达她怀了圣子耶稣的消息，图中的百合花象征了圣母玛利亚的纯洁。而凡·德尔·高斯的《朝拜圣子》（公元1475年）讲述了圣子耶稣诞生后牧羊人前来崇拜的故事，中间罐子中的鸢尾花和百合花也是用来象征圣母玛利亚的纯洁，而玻璃瓶中的七朵耧斗花，象征着圣父赋予圣子的七中品格，包括：智慧、理解、协商、力量、知识、敬畏和虔诚。西蒙·马提尼《圣母领报》（1333），三联版画凡·德尔·高斯《朝拜圣子（Portinari Triptych）》（1475），三联木版油画在提香《乌尔比诺的维纳斯》（公元1538年）中，维纳斯手中的桃金娘和玫瑰是婚姻的象征，维纳斯将双腿搭在一起象征着对婚姻的忠诚和对家庭的挚爱。提香·韦切利奥《乌尔比诺的维纳斯》（1538），油画卡拉瓦乔的《酒神巴克斯》（公元1593年）中，他以葡萄藤叶象征酒神的身份，同时，枯萎的鲜花、叶子和果实也象征着世俗生活的转瞬即逝。米开朗基罗·梅里西·达·卡拉瓦乔《酒神巴克斯》（1593），油画随着欧洲贸易的兴盛，鲜花的种类也更为繁丰，下图是佛兰德艺术家笔下的典型插花类型。在17、18世纪的佛兰德地区，华丽的花贝母(crown imperials)有着难以抵抗的诱惑。在画碗中，一支或两支茎条形成了插花两侧向下流动的线条，轻柔地抚摸着花束。花茎延伸向下，低于水面，与在此之前剪短花茎以使插花向上延伸的造型趋势相悖。A spring group of the lavish style of the Flemish painters类似地，雷切尔的《插花静物》（公元1710年）以非对称的插花设计和各色的鲜花使画面更具活力；不同季节的花卉同时出现，既象征着财富（国际贸易使各个地区的鲜花同时出现），又表现出自然的四季轮回和生命的短暂但却充满了各种美好。雷切尔·勒伊斯《静物插花》(1710)，油画马奈的现实主义画作《奥林匹亚》（公元1863年）的灵感来自提香的《乌尔比诺的维纳斯》(公元1538)，其中他将维纳斯手中的桃金娘和玫瑰换成了仆人的手捧花，并以纸张包裹，反映了当时手捧鲜花的趋势，并且这种插花方式沿用至今。爱德华·马奈《奥林匹亚》（1863），油画梵高的一系列《向日葵》创作于法国南部，画中浓厚的笔触和高饱和的颜色使向日葵充满了热情，令人感到振奋。文森特·梵高 《向日葵》其中两幅，油画在西方文化的血脉中，插花作为艺术的一种，其一花一叶都有生活的缩影。英国、荷兰和法国一直以传统的西方花艺而闻名，在欧洲的小巷中，随处可见鲜花的影子。在世界最大花卉产地之一的荷兰，人们茶余饭后习惯买一束鲜花回家，亲朋好友间最重要也是最得体的礼物就是一束鲜花。除了日常生活中，鲜花在宗教、艺术和重大节日中也都扮演着重要的角色。在古典油画静物花艺中，如何赋予作品更多的生命力，主要取决于作者对静物色彩的表达。构图与色彩能直接冲击视觉感官，画面的点、线、面的结合很重要，古典油画静物的色彩表达存在一定的规律：对静物大小、色彩、光源的观察、找寻物体的固有色、光源色、环境色的生成关系，最后用色彩塑造物体的体积感、质感和空间感等。所以，在花艺创作中带着预期目的性准备花材，根据主题或者背景来确定花材的色系，明确花材的主色调是暖色调红、橙、黄，还是冷色调蓝、紫、白等。而画面的协调性主要取决于主色调的把握和定位，观察色彩要纵观整个作品，还需要养成从整体上观察色彩的好习惯。

在绘画史上，康斯特布尔和透纳（1775-1851年）的名字与风景画紧紧联系在一起，就像雷诺兹与庚斯博罗的名字与肖像画的关系一样。这让人不禁在这两位画家之间进行比较。他们都是各自时代的产物，在那个年代，风景画迅速转变其基本特征，在对待自然现象时，艺术家采取了一种更亲密、因而也更浪漫的态度。这一高度情绪化的态度，只可能出现在19世纪早期，而且这两位迥异的画家深刻地改变了这一态度。康斯特布尔对自然那种亲密而深情的态度，对花草树木、村舍云朵纯粹的爱，都是那个时代精神的一部分。这种精神同时出现在诗歌与绘画中，如果康斯特布尔没有动用他敏锐的眼睛与和敏感的笔触来发展出一种新的风景画，其他的艺术家也会这样做。这并非贬低康斯特布尔，也不是否定他的天才，仅仅是为了指出，他的独创性和创新性与19世纪早期的欧洲艺术发展是处于同一条直线上的。回顾欧洲艺术的发展历程，我们几乎可以预言，肯定会出现一位先驱在鲁本的风景画艺术与17世纪荷兰绘画大师的风景画艺术以及19世纪末期法国印象派画家的风景画艺术之间建立一种联系。刚好这个人就是约翰·康斯特布尔。对于同时代的画家来说，他的远见和为表达这种远见形成的风格都是陌生的、大胆的，令人感到有些疑惑。而在我们看来，他的远见和风格是如此正常，以至于如果让我们举出一个完全不受怪癖和矫饰影响的艺术家，我们可能会在委拉斯凯兹和康斯特布尔之间犹豫不决。我们已经注意到印象派艺术的本质是捕捉瞬间。在康斯特布尔的作品中，我们看到了朝这个方向走出的第一步。飘动的云朵、大雨过后叶子上的闪光——简言之，天气才是他大部分作品的主题，不仅仅是天气，还是英国的天气，我们还几乎可以断言就是东英格兰他家乡的天气。如果说康斯特布尔是一位视野狭窄的艺术家，深信风景画家所需要的一切都可以在他家附近几英里内找到，那么透纳则是一位视野宏阔的艺术家。不断想去漫游的冲动驱使他，带着速写本，走遍英国的各个角落，沿着贯穿法国的河流，上溯至莱茵河谷地，登上瑞士的山巅与冰川，越过阿尔卑斯山，到达威尼斯、佛罗伦萨与罗马。他的创造力天赋比康斯特布尔更深刻，也更有个性。我个人认为，透纳是欧洲艺术史上最伟大的人物之一，更是英国艺术家中最伟大的人物之一。他最优秀的作品皆以水彩画为媒介。虽然他的油画作品不少，而且其中不乏杰作，但是他那些数不清的水彩画，技巧出神入化，情绪绵绵不绝。随着绘画风格的成熟，他逐渐扩大了绘画媒介的可能性。真实世界里的平原、山峦、冰川、云朵以及时而狂暴时而平静的大海为他提供了坚实的创作基础，不过所有这一切似乎都被大自然的力量改变着。康斯特布尔记录特定一天的特定天气状况，透纳将天气状况概括化了，仿佛是在表现自己发现的神话。法国印象派画家自然更欣赏康斯特布尔而不是透纳，因为他们的全部创作意图在于精准，而不是给人留下深刻印象。然而，他们最后还是接近透纳而非康斯特布尔。莫奈晚年的作品与透纳的作品具有一种奇异的相似感。鲁昂大教堂的西侧，莫奈用他那善于分析的眼睛透过夕阳的红色雾霭，与透纳的浪漫之眼看到的景象十分相似。真理，在一定条件下，可以像诗歌那般奇特，那般令人印象深刻。在19世纪中期英国绘画单调乏味的平原之上，隆起了三处狭小却有趣的高地。关于拉斐尔前派这一主题，我发现很难给出不带偏见的评价。很多我素来尊重的当代艺术批评家都倾向于以一种不耐烦的嗤笑来无视整个运动。尽管英国艺术往往具有文学的味道，拉斐尔前派艺术家可以像荷加斯那样善于描绘趣闻轶事，比历史上其他任何流派的画家都更具文学性，但我不明白他们为何就该因此而被轻视。所有的画家（下一章将会提到的20世纪某些清教徒除外）实际上都是插画师。乔托描绘圣母玛利亚与圣安妮的会面，夏尔丹描绘一条面包的质感，二者都属于在完成一项描绘性的任务。他们并没有因为这样做而变成更好或更差的画家。他们之所以成为优秀的画家，是因为他们有能力在绘画中找到与会面和面包给人的感觉相对等的东西。二者的情感都很强烈，都做了充分的视觉化呈现，都是优秀的匠人。在我看来，鼎盛时期的拉斐尔前派画家全都以出色的表现通过了这三项测试，即便在最低谷时期，他们仍然比同时代不太杰出的画家更好些。这场运动并不简单，它始于对“庄重风格”中矫揉造作的反对。在米莱斯与霍尔曼·亨特看来，这一风格源自拉斐尔。这一运动追求的是诚实，不回避，不遗漏，不墨守陈规。他们对后拉斐尔时代艺术的厌恶使他们对意大利与佛兰德斯最初的艺术作了些必要的浅层研究，但他们没有意大利画家那天生的大气与高贵。他们最需要学习的是凡·艾克和他那类的艺术家。他们其实是“目击者”，有着同佛兰德斯早期艺术家一样精神气质。但除了这一（完全出于审美的）推动力之外，他们还有一种逃避现实的浪漫主义倾向，吸引他们进入自己对过去的想象中。他们把自己投射到一个色彩艳丽、图案鲜明的中世纪世界，甚至一开始还用了某种古哥特式的粗犷风格，尽管他们自身的敏锐观察力不允许他们在这条路上走得太远。米莱斯是通过济慈的诗歌进入这个中世纪世界的，罗塞蒂是通过但丁的诗歌进入的，伯恩·琼斯是通过他对罗塞蒂的崇拜进入的。霍尔曼·亨特属于这群人中较为缺乏想象力的一个，因此从未分享过这种浪漫主义。马多克斯·布朗属于这一群体中的心理学家，他运用拉斐尔前派的理念带有强烈的个人色彩，有时会重现荷加斯的味道。尽管他们带有逃避主义和矫饰主义倾向，我仍然相信，在他们最好的作品当中，有一部分是不朽的，因为他们试图逃向他们所热爱的东西，而他们的矫饰主义也建立在艺术中较为罕见的情感强度之上。马多克斯·布朗的《劳作》以及他在曼彻斯特市政厅的壁画、米莱斯的《秋叶》和《洛伦佐与伊莎贝拉》，罗塞蒂早期的水彩画都是非常高水准的原创艺术作品。我怀疑现今对拉斐尔前派艺术流行的态度，部分是因为他们最好的画作碰巧都不在伦敦，部分是因为在这个画派的后期，所有的成员都走向了沉沦：米莱斯失去了激情，霍尔曼·亨特从情感饱满沦为多愁善感，罗塞蒂变成了矫饰主义的奴隶，伯恩·琼斯的梦幻世界则堕落成化装舞会的世界。